Phỏng vấn độc quyền với Giám đốc Nhà hát Nghệ thuật Bắc Kinh Feng Yuanzheng và nghệ sĩ violin danh tiếng Yao Yue: Chúng tôi rất kiềm chế, không để hiệu ứng đặc biệt "chiếm mất" con người

Mỗi kinh phóng viên｜Đinh Châu Dương Tống Mỹ Lư Thực tập sinh Thường Tống Tư Doạn Mỗi kinh biên tập｜Trần Tuấn Kiệt

Tối ngày 9/3, sau khi kết thúc nhiệm vụ hiệp thương tập thể dày đặc ban ngày, Dao Khiết và Phùng Viễn Tranh xuất hiện trước ống kính phỏng vấn độc quyền của《Nhật báo Kinh tế Hằng ngày》(sau đây gọi tắt là NBD).

Lịch trình của họ không có chỗ trống; ngoài thân phận là ủy viên của Hội nghị Hiệp thương Chính trị Nhân dân Trung Quốc, Phùng Viễn Tranh còn là người diễn viên đầu tiên giữ chức trưởng đoàn nghệ thuật tại Học viện Nhân dân Nghệ thuật Bắc Kinh (tức “Viện Nghệ thuật Nhân dân Bắc Kinh”), kể từ khi thành lập cách đây hơn 70 năm; xuất thân từ một gia đình âm nhạc, Dao Khiết không chỉ là nghệ sĩ vĩ cầm hàng đầu của Trung Quốc, mà còn sáng lập dàn nhạc dây tại Hồng Kông.

“ Tôi thường ‘xin chỉ giáo’ giám đốc Phùng, làm thế nào để trong một ngày có thể chuyển đổi nhanh chóng các vai diễn? Bởi vì, tư duy nghệ thuật trên sân khấu và logic não bộ của quản lý hành chính hoàn toàn khác nhau.” Dao Khiết cảm khái. Thực ra, cô nào có khác gì một “nghệ sĩ slash” (nghệ sĩ kiêm đa vai) linh hoạt tự do di chuyển giữa nhiều thân phận. Trước kỷ nguyên mới, tân khán giả và người làm nghề mới, “không thể nằm dựa vào biển hiệu vàng để ăn cũ” là thái độ hai người đồng lòng.

Đối diện thế nào, phải đối diện ra sao? Trong quá trình nhận phỏng vấn, Phùng Viễn Tranh nhiều lần dùng hai chữ “kiềm chế” đối với sự cám dỗ của lưu lượng, đối với áp lực thương mại, đối với sự phụ thuộc vào kỹ thuật… Đổi mới không thể dừng lại, nhưng nền tảng của đổi mới vĩnh viễn vẫn là con người.

Bên trái: Dao Khiết Bên phải: Phùng Viễn Tranh Ảnh do người được phỏng vấn cung cấp

Ba lần khép màn mà vẫn chưa thấy đủ **** Khi《Lương Chúc》gặp《Vợ của Bướm》, xem《Trương Cư Chính》xuất hiện tại Saint Petersburg

Nâng cao sức mạnh văn hóa mềm của quốc gia, mấu chốt là đưa tác phẩm thật sự đến với thế giới, triển khai ra nước ngoài. Câu chuyện Trung Quốc, các nhân vật lịch sử Trung Quốc có nền tảng để đối thoại với thế giới, nhưng bên ngoài vẫn chưa hiểu nghệ thuật Trung Quốc, tồn tại định kiến lạc hậu và phiến diện. Chỉ khi được nhìn thấy, mới có thể thực sự được yêu thích; việc văn hóa ra đi không thể chỉ dựa vào kể bằng miệng, mà cần dựa vào trải nghiệm chân thật để chạm đến lòng người.

NBD**: “Quốc gia cường thịnh về văn hóa” là chủ đề mà cả hai vị ủy viên đều quan tâm, vậy điều này hẳn phải liên quan rất mật thiết đến thực tiễn công việc của hai vị, đúng không?**

Dao Khiết： Tôi hiểu “quốc gia cường thịnh về văn hóa” là đưa văn hóa Trung Hoa ưu tú đến với thế giới. Tháng 11 năm ngoái, đúng dịp kỷ niệm 55 năm thiết lập quan hệ ngoại giao Trung Quốc–Ý, tôi dẫn dàn nhạc dây Hồng Kông sang Ý tổ chức tour lưu diễn theo chủ đề “Từ cô vợ bướm đến Lương Chúc”; dàn nhạc dây Hồng Kông trở thành dàn nhạc Trung Quốc đầu tiên bước vào thành cổ thời Trung cổ ở thị trấn Cú Bảo.

Chúng tôi dùng “Hai con bướm” làm biểu tượng lõi, trong giai điệu trữ tình của vở opera đại diện của nhà soạn nhạc Puccini《Vợ của Bướm》, hòa vào yếu tố truyền thống của nhạc kịch Quảng Đông (vở tuồng Việt) Trung Quốc là khúc nhạc hòa tấu cho vĩ cầm《Lương Chúc “Huyền thoại hóa bướm”》。 Khi đó phản hồi ở Ý đặc biệt lớn; đó là sự giao lưu văn hóa giữa hai quốc gia, không chỉ là một buổi hòa nhạc. Chúng tôi còn biểu diễn bản mashup những bài nhạc vàng phim Hồng Kông; sau khi kết thúc phần trình diễn bài chủ đề phim của Lý Tiểu Long, khán giả Ý đã kích động đứng lên vỗ tay. Văn hóa phương Đông và phương Tây, đúng khoảnh khắc này, đã thực hiện kết nối liền mạch và cái ôm nồng nhiệt nhờ âm nhạc. Những thước phim ấy khiến chúng tôi cảm nhận được sự cộng hưởng của nghệ thuật, và sự đồng điệu trong lòng người.

Người được phỏng vấn cung cấp ảnh

Phùng Viễn Tranh： Nhìn về năm 2035, xây dựng một quốc gia cường thịnh về văn hóa là trụ cột then chốt để thực hiện sự phục hưng vĩ đại của dân tộc Trung Hoa. Nếu nói thầy Dao là dùng âm nhạc để xây cầu nối, thì “nhà hát nhân dân” của chúng tôi dùng câu chuyện để truyền tải tâm ý.

Năm ngoái, chúng tôi đã đưa vở kịch nói《Trương Cư Chính》đến Saint Petersburg. Từ thiết kế sân khấu đến trang phục và hóa trang, chúng tôi phát huy tinh hoa thẩm mỹ truyền thống Trung Quốc đến tột cùng. Khán giả Nga không chỉ bị thu hút bởi câu chuyện hấp dẫn, mà còn nhìn thấy hình tượng một nhà cải cách chân thực, đa chiều; trong làn sóng biến đổi toàn cầu hiện nay, khiến họ cảm nhận sâu sắc sự khó khăn và sự cần thiết của cải cách.

Sân khấu của chúng tôi trông có vẻ giản đơn, nhưng thực ra tinh xảo đến cực điểm: ba chiếc long ghế, mười cột trụ, một bức tường gạch cũ. Tuy nhiên, khi tấm màn lớn mở ra ở Saint Petersburg, ngay cả các chuyên gia mỹ thuật sân khấu địa phương cũng bị chấn động. Ba chiếc long ghế được chép lại tỉ mỉ theo hiện vật thật ở Tử Cấm Thành; tay nghề tinh xảo đến mức các chuyên gia địa phương cũng “không dám chạm vào”. Khi buổi diễn kết thúc, toàn bộ khán giả đứng dậy vỗ tay trong thời gian dài; nghi thức chào màn diễn ra lặp đi lặp lại ba lần mà vẫn chưa thấy đủ. Cuối cùng, tôi đành phải mời phiên dịch lên sân khấu; tôi nói một đoạn, thì mới khép lại được bằng câu chuyện của sự tương tác nồng nhiệt này.

“Với hợp tác liên danh thương mại, chúng tôi luôn giữ sự kiềm chế” **** Nghệ thuật không phải đặc quyền, mà là ánh sáng chiếu vào đời sống

Từ hệ thống đánh giá của người làm công tác văn nghệ, đến việc nghệ thuật kinh điển đi vào từng nhà, điểm xuất phát và điểm rơi mà Dao Khiết và Phùng Viễn Tranh quan tâm luôn là con người.

NBD**: Năm nay, các đề xuất của hai vị ủy viên lại trùng hợp cùng tập trung vào “cơ chế đánh giá và động viên nhân tài trong văn nghệ nghệ thuật”. Theo hai vị, vì sao việc này lại cấp thiết đến vậy?**

Phùng Viễn Tranh： Đề xuất của tôi tập trung vào việc xây dựng và hoàn thiện cơ chế khen thưởng và hỗ trợ đối với những người làm việc trong nghệ thuật kịch nói. Nói thật, những người làm kịch nói của chúng tôi kỳ thực rất chăm chỉ, và cũng đã đạt được nhiều thành tích nổi bật; nhưng ở trong nước, đối với nhóm này thì cơ chế khen thưởng chuyên hạng vẫn còn tương đối ít. Vì thế tôi kêu gọi thiết lập nhiều hạng mục giải thưởng và các dự án hỗ trợ có thẩm quyền hơn dành cho những người làm kịch nói tuyến đầu. Phần thưởng này không nằm ở mức tiền thưởng bao nhiêu, mà đến từ sự công nhận của nhà nước; đó không chỉ là danh dự, mà còn là niềm tin.

Người được phỏng vấn cung cấp ảnh

Dao Khiết： Giám đốc Phùng nhắc đến việc khích lệ nhân tài kịch nói; năm nay tôi cũng nộp một đề xuất về nhân tài tương tự. Bởi vì ở Hồng Kông và đại lục có khác nhau về hội đồng chấm; ở đại lục có diễn viên hạng nhất và các loại chức danh khác nhau, nhưng Hồng Kông thì không. Tôi cảm thấy những người trẻ trong giới văn nghệ ở Hồng Kông cũng hy vọng có thể phục vụ tốt hơn cho sự phát triển của đất nước; vì vậy tôi đề xuất: làm sao để cơ chế đánh giá, tuyển chọn nhân tài văn nghệ của đại lục có thể được triển khai tại Hồng Kông, để hai bên giao lưu mật thiết hơn.

NBD**: Trong môi trường văn hóa hiện nay, các tổ chức nghệ thuật và cá nhân thường phải đối mặt với hai thách thức: một mặt phải xử lý áp lực vận hành thị trường, mặt khác lại phải suy nghĩ làm thế nào để thật sự bước vào đời sống của quảng đại quần chúng. Xin hỏi trong lĩnh vực của hai vị, làm thế nào để cân bằng mối quan hệ giữa “kiên trì chuẩn mực nghệ thuật” và “giảm ngưỡng tham gia”? Hai vị đã đưa ra những lựa chọn then chốt nào để bảo đảm nghệ thuật không chỉ là đặc quyền của số ít, mà có thể trở thành sức mạnh nuôi dưỡng đời sống tinh thần của người bình thường?**

Phùng Viễn Tranh： Từ nhiều năm nay, giá vé của nhà hát Nhân dân Bắc Kinh vẫn luôn rất gần gũi với người dân, thấp nhất 80 nhân dân tệ, cao nhất cũng chỉ 680 nhân dân tệ. Giống như chúng tôi ra mắt bản dành cho thanh niên của《Hamlet》tại rạp kịch quy mô nhỏ: bốn bạn trẻ diễn hơn 80 buổi, chia thành hai mức giá vé 120 nhân dân tệ và 280 nhân dân tệ. Nếu tính thuần túy theo bài toán kinh tế, thì mức giá vé này đúng là khó có lãi; nhưng chúng tôi là rạp của chính mình, không phải đóng tiền thuê nhà, tiết kiệm được một khoản chi phí lớn. Vì vậy nhiệm vụ chủ yếu nhất của chúng tôi vẫn là biểu diễn các chương trình phục vụ người dân; đồng thời nhà nước cũng hỗ trợ cho chúng tôi một phần trợ cấp. Ngoài ra, chúng tôi cũng tổ chức một số buổi lưu diễn thương mại để tạo thêm một phần thu nhập cho nhà hát. Chúng tôi cũng làm một số sản phẩm phụ trợ. Trong lúc biểu diễn kịch nói《Chốn trà quán》, chúng tôi phát hành miếng dán trang trí cho tủ lạnh, hợp tác với Công ty trà Ngô Dữ Thái để đóng gói và bán trà. Nhưng đối với hợp tác liên danh thương mại, chúng tôi luôn giữ sự kiềm chế.

Dao Khiết： Tôi sinh ra trong một gia đình âm nhạc nổi tiếng ở Thượng Hải; bố tôi là một nhạc sĩ nổi tiếng, đồng thời là tổng chỉ huy của Đoàn nhạc phim Thượng Hải, ông Dao Địch. Dưới yêu cầu nghiêm khắc của ông, từ năm 4 tuổi tôi đã bắt đầu học vĩ cầm, mỗi ngày đều luyện tập đều đặn 3 tiếng, không thay đổi. Khi còn nhỏ học nhạc cụ là kiểu bị “ép tới”; bố buộc tôi kéo vĩ cầm, nếu không thì sẽ phải quỳ trên tấm ván giặt đồ trong nửa giờ.

Bây giờ tôi cũng là mẹ của hai cô con gái, tôi không còn giáo dục các con theo kiểu kỷ luật mà trước đây mình đã nhận. Việc học vĩ cầm có mặt gian khổ và khô khan; nếu chỉ chăm chăm vào “giáo dục nghiêm khắc kiểu sắt thép”, sẽ khiến trẻ mất hứng thú và sự kiên nhẫn. Tôi đã viết một bộ giáo trình dành cho trẻ nhỏ, dùng cách thú vị để giúp trẻ cảm nhận tiết tấu, tạo bầu không khí học nhạc cùng gia đình; trẻ và phụ huynh cùng học. Ban đầu có thể phụ huynh học nhanh hơn, nhưng về sau thường là trẻ vượt qua phụ huynh. Quan niệm của tôi rất rõ ràng: không phải đứa trẻ nào cũng cần trở thành nghệ sĩ biểu diễn, nhưng mỗi đứa trẻ đều có thể, thông qua âm nhạc, có được sự tự tin, năng lực thẩm mỹ và ý chí.

Niềm tin này cũng được mở rộng vào “Kế hoạch năng lượng âm nhạc” của chúng tôi. Trong mười năm qua, chúng tôi đã giúp 900 gia đình bình thường ở Hồng Kông đưa các con của họ bước qua cánh cửa âm nhạc. Trong số đó, nhiều em sống ở những khu “lều chia vách” (không gian chật hẹp bị cắt ra bởi vách ngăn), cả căn phòng chỉ cỡ bằng cái nhà vệ sinh; vừa nén chặt vừa bức bối. Nhưng ở những góc tối khó xoay người ấy, âm nhạc lại trở thành ánh sáng chiếu qua khe nứt. Chúng tôi mang nhạc cụ vào cuộc sống của các em, tận mắt chứng kiến các nốt nhạc xuyên qua chỗ ở tạm bợ chật vật như thế nào, và thắp sáng từng tâm hồn khao khát bay cao.

“Tôi vào rạp là muốn nhìn thấy con người” **** Khán giả tuổi trung bình “thế hệ 90” khi xem “thế hệ 00” diễn《Lạc đà Tường Tử》

Nghệ thuật kinh điển làm sao để hấp dẫn người trẻ? Đối với Dao Khiết và Phùng Viễn Tranh, cả người làm nghề trên sân khấu lẫn khán giả dưới sân khấu đều đã thay đổi. Nghệ thuật kinh điển đi đến hôm nay không phải là việc đơn giản giữ nguyên thói quen thủ cựu; nhưng trọng tâm trên sân khấu vĩnh viễn vẫn là con người.

NBD**: Vừa rồi chúng ta đã trao đổi về việc nghệ thuật “cắm rễ hướng xuống” để phục vụ đại chúng; giờ muốn bàn thêm về việc nghệ thuật “vươn lên” ôm lấy thời đại. Trong quá trình thúc đẩy nghệ thuật “trẻ hóa” và “hiện đại hóa”, hai vị xác định ranh giới giữa đổi mới và bản sắc nguyên bản như thế nào? Khi đối diện làn sóng tác động của công nghệ mới, “đường ranh giới” mà hai vị kiên định là gì?**

Phùng Viễn Tranh： Hiện nay, vào rạp của nhân dân Bắc Kinh thì người nhiều nhất là “thế hệ 90”, khán giả trẻ xem kịch nói không hẳn là để đu idol; họ có những diễn viên mình thích, nhưng quan trọng hơn vẫn là thích hình thức kịch nói này. Sự thay đổi của khán giả diễn ra vào khoảng năm 2020; tôi cho rằng đó là sự lặp đời tự nhiên của khán giả, chứ không phải chúng tôi cố ý “chiều theo” hay “cho ăn” theo thị hiếu.

《Lạc đà Tường Tử》mà năm ngoái chúng tôi dàn dựng là theo đúng phiên bản mà nhân dân Bắc Kinh diễn vào năm 1957; bối cảnh, trang phục, tạo hình trang điểm, và cách diễn đều tôn vinh những kinh điển ban đầu. Nhưng diễn viên của chúng tôi nhỏ nhất là “thế hệ 00”, lớn hơn là “thế hệ 80”, và tuổi trung bình đều là “thế hệ 90”. Lúc đó tôi nghĩ khán giả của vở này có thể không hẳn chấp nhận; tỷ lệ lấp đầy ghế có thể đạt 60% đến 70% thôi cũng đã khá rồi. Tôi còn nói với các diễn viên trẻ rằng, quan trọng nhất là trước tiên để khán giả nhận ra các bạn thông qua vở diễn này; không ngờ tỷ lệ lấp đầy của vở này lại vượt 90%. Ở nhân dân Bắc Kinh năm 1957 có một vở kịch nói kinh điển《Trong đêm tuyết phong ba, người trở về》; chúng tôi cũng phục hồi nó. Mỹ thuật sân khấu được đưa thêm yếu tố hiện đại; thiết kế trang phục vừa mang phong vị của thời Dân Quốc, vừa có thẩm mỹ hiện đại của “án phục Hán mới”, và cũng được khán giả trẻ yêu thích sâu sắc.

Vì thế, khi kịch nói đi đến hôm nay, không phải chỉ đơn giản là kế thừa cái cũ; chúng tôi phải gắn với hiện tại, dung hợp năng lực mà công nghệ mang lại cho nghệ thuật, nhưng chúng tôi sẽ không chiều theo cái gọi là trào lưu thời trang thịnh hành. Chúng tôi sẽ không dùng đa phương tiện để chiếm lấy sân khấu, cũng không dùng âm thanh ánh sáng khiến diễn viên bị “nuốt chửng”. Đối với hiệu ứng sân khấu “ngầu” thì nhân dân Bắc Kinh rất kiềm chế. Tôi nghĩ rằng, điều quan trọng nhất khi mọi người bước vào rạp vẫn là nhìn thấy con người; giống như tôi đi nghe buổi hòa nhạc của cô giáo Dao, không phải chỉ nghe tiếng đàn là đã đủ; nếu không thấy tận mắt cô giáo Dao, thì đó không còn là nghệ thuật của rạp nữa. Nghệ thuật sân khấu vẫn là nghệ thuật của con người.

Dao Khiết： Giám đốc Phùng nói rất đúng. Đổi mới và kiên thủ cũng là hai mặt của một chỉnh thể trong âm nhạc cổ điển. Cô diễn những tác phẩm gì? Liệu các tác phẩm đó có thể tạo được tiếng vọng với khán giả đương đại hay không? Dàn nhạc dây của chúng tôi luôn khám phá những hướng đi mới; ví dụ chính bản thân tôi cũng rất thích kết hợp nhạc pop với nhạc cổ điển. Trong quá trình hợp tác với các ca sĩ nhạc pop, tôi đã hấp thụ được rất nhiều dưỡng chất, khiến cách thể hiện nghệ thuật của tôi trở nên rõ nét và phong phú hơn. Còn việc chuyển soạn giai điệu pop thành tác phẩm dây nghiêm cẩn thì lại kiểm nghiệm sự hiểu biết sâu sắc của chúng tôi về bản chất của âm nhạc.

Dù là công nghệ tiên phong hay trí tuệ nhân tạo, chúng đều chỉ là người hỗ trợ, không phải vai chính. Vai chính của sân khấu âm nhạc, vĩnh viễn chỉ có thể là nhạc sĩ và tác phẩm của họ. Giá trị của công nghệ nằm ở chỗ giúp khán giả đi vào tác phẩm và hiểu linh hồn theo những cách giàu trí tưởng tượng, giàu cảm giác đắm chìm hơn, chứ không phải giành phần vai chính của sân khấu.

“Cuộc sống hai mặt” của nghệ sĩ ** “Giai đoạn then chốt chuyển giao giữa người cũ và người mới, chỉ có thể mệt thế này”

Sân khấu là một tấm gương, phản chiếu hiện thực. Ngày nay, nhân dân Bắc Kinh vẫn kiên trì “biểu diễn không dùng micro”, “khiến khán giả ở hàng ghế cuối cùng cũng nghe rõ lời thoại” là yêu cầu cơ bản đối với mỗi diễn viên nhân dân Bắc Kinh**。**

NBD**: Ngoài bản thân các vai trò là diễn viên và nghệ sĩ biểu diễn, hai vị còn đảm nhiệm thêm công việc khác. Hai vị định nghĩa thế nào về “sinh mệnh” nghệ sĩ của mình? Khi bước vào những đường ray nghề nghiệp này, có ảnh hưởng đến sáng tác nghệ thuật của các vị không?**

Phùng Viễn Tranh: Tôi lúc trẻ đã thích nghệ thuật, theo đuổi nghệ thuật; đã trải qua từ giai đoạn bị không công nhận đến khi được công nhận. Ở giai đoạn chưa được công nhận, đối với thế hệ chúng tôi, đó chính là thời kỳ tự tìm ra vấn đề của bản thân. Ví dụ, tôi là người có ngoại hình bình thường; vậy thì tôi sẽ chăm học diễn xuất để bù đắp điểm yếu về ngoại hình. Khi thật sự bước vào ngành biểu diễn, đặc biệt là khi bước vào cánh cửa của nhân dân Bắc Kinh, tôi nghĩ rằng mình phải trở thành một diễn viên tốt; nếu có thể thì làm một kiểu diễn viên cộng với nghệ sĩ giỏi như thầy Tề Thầy (làm như thầy ấy).

Trước năm 2015, ở nhân dân Bắc Kinh tôi là người sống thảnh thơi, không nghĩ đến việc gánh vác trách nhiệm lớn. Nhưng khi các tiền bối lần lượt nghỉ hưu, tôi nhận ra rằng đến lượt thế hệ của tôi phải đứng ra. Năm 2016, tôi làm đội trưởng đội diễn viên, bắt đầu có cảm giác trách nhiệm đối với nhà hát. Tôi tự nhiên sinh ra suy nghĩ: không nhìn nổi người khác không cố gắng; sau đó tôi lại làm phó viện trưởng, nhưng cũng chỉ phụ trách một số bộ phận nhất định. Cho đến khi viện trưởng tiền nhiệm đột ngột qua đời, tổ chức cần bổ nhiệm tôi làm viện trưởng. Lúc đó tôi vốn còn vài tháng nữa là chuẩn bị nghỉ hưu rồi… Thế là từ đó tiếp nhận gánh nặng của viện trưởng; làm rồi mới biết không phải dễ.

Khó nhất là hai năm trước đây: vừa làm quản lý, vừa phải diễn kịch, dàn dựng vở mới, nên lúc đó tôi nhiều ngày liền mất ngủ không ngủ được. Trước khi làm viện trưởng, tóc tôi còn đen; bây giờ đã bạc. Cũng không có gì để than vãn, vì tôi đã nhận thì phải đi làm. Từ năm 2024, nhân dân Bắc Kinh đã thử nhịp sản xuất ở mức “cao nhất”; lượng lao động của tất cả mọi người đều vượt mức. Trong một năm ít nhất 35 vở kịch nói, rồi thêm 8–9 vở vở diễn mới. Năm trước chúng tôi dàn dựng 11 vở kịch mới, năm ngoái dàn dựng 9 vở kịch mới; cả năm diễn hơn 500 suất. Năm ngoái doanh thu vé đạt mức cao nhất trong lịch sử. Vì thế, từ góc độ này, tôi thấy sự cống hiến trong những năm qua cũng đáng giá.

Làm viện trưởng và làm diễn viên là khó cân bằng nhất; chỉ có thể nói là tôi gắng gượng giữ một hơi mà chống tới hôm nay. Tôi thường mơ tưởng đến cuộc sống khi nghỉ hưu nên sẽ như thế nào; tôi sẽ ngủ một tháng, không ai quản tôi nữa. Nhưng hiện tại thì chưa được. Ví dụ, tôi diễn《Trương Cư Chính》: đó là người cuối cùng của cả đoàn phải học thuộc lời thoại. Trước đây điều đó là không thể. Sáng tôi chưa đến 7 giờ đã dậy, đến nhà hát xử lý công việc cả ngày; nếu buổi chiều cần tập thì tôi tập vở, rất có thể tối lại phải diễn một vở khác. Về nhà thường gần 12 giờ. Trong mấy năm đều như vậy; đồng nghiệp nói công việc này rất vất vả. Nhưng ngẫm lại thì thầy Phàn (Viễn Tranh) không hề mệt. Tôi nói: các bạn đừng học tôi. Hiện giờ là giai đoạn chuyển giao đặc biệt then chốt giữa người cũ và người mới của nhân dân Bắc Kinh; các diễn viên “60 hậu” lần lượt nghỉ hưu, còn người trẻ có đỡ được hay không là sẽ thấy trong vài năm này. Vì vậy tôi chỉ có thể tạm thời mệt thế này trước.

Dao Khiết： Tôi và giám đốc Phùng đều cùng nhóm trong hai kỳ họp của ủy viên hiệp thương chính trị. Chuyện chuyển giao giữa người cũ và người mới là trọng điểm công việc của mấy năm gần đây. Tôi cũng xin thầy ấy chỉ giáo cách chuyển đổi nhanh vai diễn của mình trong một ngày. Bởi vì bộ não được dùng trên sân khấu và bộ não làm hành chính hoàn toàn khác nhau. Nếu buổi sáng không luyện đàn, mà trước tiên xử lý công việc hành chính, thì buổi chiều luyện đàn cũng không thể tập trung. Hiện tại thường tôi luyện đàn 3 tiếng vào buổi sáng; tôi cố gắng sắp xếp mọi việc khác vào sau khi luyện đàn, để bảo đảm trạng thái diễn đàn trên sân khấu.

Thực ra, nếu nói về việc chuyển vai, thời gian tôi rời sân khấu lâu nhất là lúc tôi mới làm mẹ. Vai trò làm mẹ đã phân tán thời gian và tinh lực của tôi dành cho việc trở thành một nghệ sĩ biểu diễn. Sau đó khi tôi quay lại sân khấu, tôi coi việc làm mẹ như một trải nghiệm sống; từ đó, tôi thể hiện và hiểu âm nhạc theo cách mới. Những vị ngọt bùi đắng cay trong cuộc đời, tôi có thể dùng âm nhạc để thể hiện. Vì vậy tôi không cảm thấy có bất kỳ “thời gian rác rưởi” nào trong đời; chúng đều cho tôi những kiểu trưởng thành khác nhau.